Die Verbindung zwischen Licht und anderen materiellen Objekten ist ziemlich offensichtlich, in dem Sinne, dass, ob wir es verstehen oder nicht, wie Licht sie "beeinflusst", bestimmt, wie diese Objekte gesehen werden. Die Verbindung zwischen Licht und Ton ist nicht so vorgegeben, aber nicht weniger, und manchmal sogar mehr, einflussreich bei der Definition des Konzepts der Lichtpartitur.
Ein Beispiel dafür ist die enorme Popularität von Licht-Musik-Aufführungen zu verschiedenen Zeiten in der Geschichte, von A.Y. Skrjabin bis zum populären französischen Musiker Didier Marouani in Russland—diese sind Versuche, die Synthese von Licht und Musik kreativ zu demonstrieren.
Wir werden nicht über die Arbeiten von Wissenschaftlern und Musikern diskutieren, deren Werke der Suche nach technischen Gesetzmäßigkeiten zur Übersetzung von Musik in Licht-Farb-Kompositionen gewidmet sind.
Zu verschiedenen Zeiten in der Geschichte wurden verschiedene exotische Konzepte vorgeschlagen, darunter die neuesten Entwicklungen des Petersburger Professors V.V. Afanasjev zur "mathematischen" Übersetzung von Musik in Licht, aber die offensichtliche Subjektivität der Übersetzung von Musik in Licht und Farbe wird uns wahrscheinlich keinen eindeutigen Schlüssel geben.
Es ist bekannt, dass sogar Komponisten wie A.Y. Skrjabin und N.A. Rimski-Korsakow Farben in der Musik unterschiedlich "sahen".
Nicht nur Musik, die zweifellos die Lichtpartitur einer Oper, eines Musicals, Balletts oder Rockkonzerts beeinflusst, sondern auch andere Geräusche (Soundeffekte) können die Lichtpartitur einer Aufführung entscheidend beeinflussen und entsprechende Änderungen der Beleuchtung erfordern.
Das Geräusch einer zuschlagenden Tür, brechendes Glas, der Lärm eines Zuges oder der Beginn von Regen verlangen nicht weniger eine Änderung der Beleuchtung, genauso wie ein Themenwechsel in einem Musikstück.
Das Publikum nimmt immer einen engen Zusammenhang zwischen Ton und Lichtänderungen an, auch wenn dieser Zusammenhang nicht offensichtlich ist. Sie können dies leicht überprüfen, indem Sie eine Art "Licht-Musik"-Aufführung erstellen.
Erstellen Sie eine Abfolge von Beleuchtungspositionen im Bühnenraum, indem Sie verschiedene Eigenschaften variieren: Farbwechsel, Beleuchtungswinkel, Helligkeit, Kontrast, Geschwindigkeit und Rhythmus der Positionsänderung. Dann einfach Ihre Sequenz auf einem Computer im automatischen Wiedergabemodus aufzeichnen, sodass Ihre "Show" identisch mehrmals wiederholt werden kann.
Nachdem Sie dies getan haben, versuchen Sie, Ihre Sequenz bei der Wiedergabe verschiedener Musikausschnitte mit unterschiedlichen Tempi und Stimmungen abzuspielen.
Als Ergebnis werden Sie feststellen, dass bei all Ihren Musikausschnitten, wenn Licht- und Tonänderungen zusammenfallen, zweifellos ein interessanter Resonanz entsteht, aber selbst wenn der Charakter der Beleuchtung die Stimmung oder Struktur der Musik "bricht", macht die entstehende "Dissonanz" die Musik nicht weniger interessant.
In einigen Fällen kann eine solche Disharmonie des "Kampfes" zwischen Licht und Ton einen guten spannungsgeladenen dramatischen Effekt erzeugen, der zu einem besonderen Moment der Handlung verwendet werden kann.
Im Allgemeinen strebt der Lichtdesigner jedoch immer nach einem koordinierten "Parallelismus" von Licht und Ton—spezifisch zur Betonung der Struktur und Stimmungen der musikalischen Partitur; einige Änderungen in der Musik werden zur motivierten Grundlage für Änderungen in der Beleuchtung. "Zufällige", unmotivierte Beleuchtungsänderungen sind nur in besonderen Fällen akzeptabel, wenn es die Aufgabe ist, die Aufmerksamkeit des Publikums auf eine bestimmte Weise zu lenken.
Üblicherweise arbeiten Licht und Ton in Aufführungen zusammen und formen zusammen mit anderen Komponenten der Aufführung die entsprechende Reaktion (Stimmung) des Publikums.
In den meisten Fällen legt die in der Aufführung verwendete Musik, die das Fundament bildet, selbst den Stil der Aufführung fest und bringt eine gewisse "Dramaturgie" hinein. Veränderungen innerhalb der Musik treiben Veränderungen in anderen Komponenten der Aufführung entsprechend der musikalischen Komposition voran.
Bei Ballett zum Beispiel ist es genau die Musik, die mehr als alles andere die Bewegungen motiviert, die Choreografie, und daher die Hauptmotivation für die Beleuchtung darstellt.
In dramatischen Aufführungen, Opern oder Musicals, die ziemlich realistisch inszeniert werden, distanziert sich eine Arie oder ein Lied normalerweise stilistisch; Änderungen in der Beleuchtung heben in diesem Moment die Hauptänderungen in der Stimmung der Musik ganz gerechtfertigt hervor.
Tatsächlich ist es in den meisten Fällen ein organisches Bedürfnis für Musicals und dramatische Aufführungen, Lieder aus dem Fluss der Hauptaktion hervorzuheben; ein Beispiel sind die "Lieder" in den Stücken von Bertolt Brecht. Um die Aufmerksamkeit des Publikums auf die Darbietung des Liedes zu konzentrieren, reicht es manchmal nicht aus, ohne spezielles "Begleitlicht". Es kann schwierig für den Darsteller sein, das Lied dem Publikum "verkaufen".
Die komplexe dynamische Beleuchtung von Rockkonzerten hat sich zur Komplexität hin entwickelt, weil Musiker realisieren, wie sehr Beleuchtung Emotionen rühren und den Einfluss der Musik verstärken kann. Es ist kein Geheimnis, dass der intensive gekonnte Einsatz von Lichteffekten helfen kann, ein mittelmäßiges Lied als gutes zu "verkaufen".
Für Rockmusiker ist es sogar eine Frage des Wettbewerbsstolzes—wie viele Container an Beleuchtungsausrüstung im Show verwendet werden.
Üblicherweise versucht die Beleuchtung, die Stimmungen in der Musik zu betonen, zu verstärken, versucht, ein beleuchtendes Element zu finden, das die gleiche Reaktion beim Publikum hervorruft wie beabsichtigt in der Musik selbst.
Eine große Anzahl von Songs in einem musikalischen Auftritt wird nicht zufällig angeordnet. Die regelmäßige (oder geplante) Entwicklung der emotionalen Spannung von Nummer zu Nummer ist sehr wichtig, daher werden die gleichen Anforderungen an die Beleuchtung gestellt—dasselbe Konstruktionsschema, die Entsprechung von Farbe, Helligkeit, Dynamik.
Häufig plant der Lichtdesigner Änderungen der Beleuchtung zwischen den Strophen eines Liedes, was wahrscheinlich richtig ist, aber es ist sehr wichtig, die vokalen Übergänge, Änderungen im Rhythmus, die Einführung neuer Stimmen und Instrumente nicht zu verpassen, und besonders Tanzzwischenspiele in der Nummer sollten reflektiert werden.
Die meisten in die dramatische Handlung eingebetteten Lieder verwenden die alte traditionelle Lösung. Der Charakter tritt aus dem Ensemble heraus, das verbleibende Ensemble friert ein oder spielt im abgedunkelten Raum. Der Fokus der Beleuchtungshelligkeit verschiebt sich auf den singenden Solisten, der verbleibende Raum "verdunkelt" sich oder wird mit einer kontrastierenden Farbe beleuchtet.
Manchmal wird ein zweiter Schwerpunkt auf den Charakter gelegt, der der "Adressat" ist, an den das Lied gerichtet ist. Duette, Trios und Quartette können durch Einführung unterschiedlicher Punkte für jeden Charakter oder sogar vollständig unterschiedliche Beleuchtungssysteme in der Qualität gelöst werden.
Ich möchte nicht die unendliche Zahl an Klischees wiederholen, die über viele Jahre durch die Praxis entwickelt wurden.
Ich möchte raten, der Beleuchtung von musikalischen Nummern mit der gleichen Gründlichkeit zu begegnen, wie Sie an der gesamten Aufführung arbeiten.
Schließlich ist ein musikalischer Nummer, ein Lied oder eine Arie im Allgemeinen eine Miniaturaufführung, die nach denselben Gesetzen aufgebaut und entwickelt wird.
Es ist wichtig, genügend Zeit für diesen Teil des Auftritts ("Aufführung in der Aufführung") aufzuwenden und den wichtigen Grundsatz der "Einheit" sowohl auf der Ebene des Teils als auch des Ganzen zu wahren.
Die emotionale Interdependenz von Ton und Licht (Farbe) ist so eng und offensichtlich, dass die zahllosen Versuche über viele Jahre, einen genauen und eindeutigen Algorithmus zur Transformation, eine eindeutige Entsprechung einer bestimmten Farbe zu jedem Ton zu finden, durchaus verständlich sind.
Wenn ich einen kurzen Überblick über diese Versuche und die Ergebnisse der Forschung verschiedener Wissenschaftler und Musiker geben würde, könnte ein solcher Überblick endlos sein.
Die Suche nach einem Algorithmus der Übereinstimmung zwischen Ton und Farbe hat immer existiert, vor allem angetrieben vom ewigen Bestreben der Menschheit, "universelle Harmonie" zu finden; diese Suchen waren am beliebtesten in der Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts und im frühen 20. Jahrhundert. Wir können viele Namen auflisten: Skrjabin, Rimski-Korsakow, Malewitsch, Chagall und viele, viele andere… Es ist wichtig zu beachten, dass trotz der Ähnlichkeit des Ansatzes und der Identität des Zwecks alle solche Arbeiten auf der Subjektivität der Autoren basierten. Und wenn wir uns vorstellen, dass eines Tages jemand den technisch korrekten Algorithmus für die Übereinstimmung zwischen Licht und Klang finden wird, scheint es mir, dass in diesem Moment Lichtdesign aufhören würde, ein Objekt der Kunst zu sein.
Es ist genau die Subjektivität der künstlerischen Interpretation und der Wahrnehmung durch das Publikum, die eine solche Vielfalt an künstlerischen Formen und die Ergebnisse ihrer "Beherrschung" durch das Publikum hervorbringt.
Daher muss der Lichtdesigner beim Lesen und Analysieren der musikalischen Partitur eines Werkes sehr sensibel gegenüber den Emotionen sein, die die Musik in seiner Wahrnehmung auslöst, und Techniken und Beleuchtungsqualitäten finden, die geeignete Emotionen in der Wahrnehmung des Publikums stimulieren können.
Die Forschung in der Psychologie der Wahrnehmung bietet einige Schlüssel, die es in etwa ermöglichen, Richtungen in der Suche nach spezifischen Lösungen zu bestimmen.
Zum Beispiel ist bekannt, dass der Zuschauer tiefe Töne mit gesättigteren, helleren und wärmeren Farben assoziiert, die sich in der Mitte des Spektrums befinden, und hohe Töne mit kalten und reineren Farben. Wir werden auf diese Muster später zurückkommen, wenn wir die Merkmale der psycho-physiologischen Wahrnehmung analysieren.
Der Lichtdesigner, der der Musik zuhört und die Partitur des musikalischen Werkes liest, muss den Analysen der musikalischen Partitur der Aufführung mit der gleichen Gründlichkeit angehen, wie er die dramatische Analyse des Stücks durchgeführt wird.
Hier lassen sich viele Parallelen ziehen; im Wesentlichen: in der Musik ist das Auftreten eines neuen Themas vergleichbar mit dem Auftreten eines neuen Charakters in einem Drama; die Entwicklung von Themen und Charakteren, Stimmung, Konflikten ist sowohl der Dramaturgie als auch der Struktur der musikalischen Partitur eigen, ebenso wie Rhythmus und Tempo.
Es ist eine sehr häufige Praxis, dass Änderungen in der Beleuchtung in Abhängigkeit von Änderungen in der Musik auftreten, und die Dauer der Lichtbilder wird durch die Dauer des Musikfragments bestimmt; in jedem Fall zeigen die Genauigkeit der Lichtübergänge, ihre zeitlichen Eigenschaften, die Angemessenheit der Tonalität und der Stimmung, inwieweit die musikalische Komponente der Aufführung verstanden wird.
Natürlich ist es ein großes Glück, wenn die Möglichkeit besteht, die Merkmale der Partitur mit dem Komponisten zu diskutieren, sich mit seinem Verständnis zu durchdringen, seine Interpretation mit den eigenen Schlussfolgerungen zu vergleichen.
In jedem Fall sind der Komponist, Dirigent, künstlerische Leiter—diese sind die Menschen, die helfen können, Beleuchtungstechniken im Zusammenhang mit der musikalischen Interpretation der Aufführung zu finden.
