In diesem Kapitel werden wir kurz die Werkzeuge auflisten, die einem Lichtdesigner zur Verfügung stehen, um das Lichtdesign einer Aufführung zu erstellen. In den folgenden Abschnitten werden wir mehrfach auf diese Kategorien zurückkommen, da das Ziel dieses Buches darin besteht, die effektivsten Möglichkeiten zu identifizieren, sie anzuwenden. Wir können nicht bestimmen, welche Kategorie primär oder sekundär ist. Abhängig von jeder spezifischen Produktion und ihren einzigartigen Bedingungen kann jede Kategorie entscheidend sein, um Ihre Vision zu verwirklichen. Daher ist die unten aufgeführte Reihenfolge willkürlich.

In seinem Buch Die Methode der Bühnenbeleuchtung, veröffentlicht im Jahr 1932, identifizierte McCandless vier Haupteigenschaften des Lichts, die ein Lichtdesigner steuert:

• Intensität,
• Farbe,
• Form,
• Bewegung.

Akzeptiert man, was Stanley McCandless erklärte, ist es notwendig, diese Liste zu erweitern, unter Berücksichtigung der modernen Fortschritte in der Theatertechnologie und des weiterentwickelten Verständnisses der zeitgenössischen Theaterästhetik.

• Winkel
• Helligkeit
• Form
• Farbe
• Bewegung
• Rhythmus
• Komposition
• Aufmerksamkeitsschwerpunkt

Vielleicht ist dies die am häufigsten gestellte Frage an einen Lichtdesigner: "Von wo aus sollte die Lichtquelle gerichtet werden, um ein gegebenes Objekt zu beleuchten." Die Antwort hängt von der Vielzahl der Ideen ab, die der Designer für das Objekt erreichen möchte. Wie vollständig sollte dieses Objekt beleuchtet werden und wie "dramatisch" sollte es in der Wahrnehmung des Betrachters erscheinen. Oft müssen diese beiden Ziele miteinander arbeiten, können aber auch miteinander in Konflikt stehen. Die "dramatische" Qualität der Schatten kann durch andere Quellen reduziert werden, die eine "vollständige" Beleuchtung bieten. Die grafische Natur der Schatten ist ebenfalls Bestandteil der Komposition.

Jedes Mal, wenn wir die Position einer Lichtquelle im Raum bestimmen, adressieren wir eine Reihe von Fragen: Beleuchtet das Licht das Objekt abstrakt oder motiviert? Wenn motiviert, dann durch was – ist es das Licht der Sonne, des Mondes, einer Kerze, einer Wandleuchte oder einer Werbetafel. Wenn abstrakt, bedeutet es, dass in der Wahrnehmung des Betrachters dieses Licht nicht mit bestehenden Lichtquellen assoziiert wird. Gleichzeitig müssen wir erkennen, dass der Beleuchtungswinkel auch eine emotionale Wirkung mit sich bringt. Schon in der Kindheit hat uns ein von unten beleuchtetes Gesicht erschreckt und Emotionen der Angst hervorgerufen.

Basierend auf den Hauptausrichtungen kann die Beleuchtung in sechs Hauptkategorien unterteilt werden:

• Frontale Beleuchtung – Licht, das direkt auf das Objekt auf Augenhöhe des Betrachters gerichtet ist
• Rückbeleuchtung – Licht, das von hinten auf das Objekt gerichtet ist
• Seitenbeleuchtung – Licht, das von der Seite auf das Objekt gerichtet ist
• Oberlicht – Licht, das von oben auf das Objekt gerichtet ist
• Unterlicht – Licht, das von unten auf das Objekt gerichtet ist
• Frontaloberlicht – Licht, das von vorne und oben auf das Objekt gerichtet ist, innerhalb von 45 Grad von der Bühnenebene.

Ohne Zweifel ist diese Einteilung ziemlich formal, da es unter den realen Bedingungen der Bühne zahlreiche Möglichkeiten zur Installation von Leuchten gibt; dennoch kann jeder Beleuchtungswinkel als Ableitung der oben genannten betrachtet werden. (Zum Beispiel, oberes Rücklicht, hinter / oben positioniert.)

In Bezug auf den emotionalen Einfluss, je nach Beleuchtungswinkel, kann Folgendes vermerkt werden:

• Frontale Beleuchtung, erscheint aufgrund der Abwesenheit von Schatten uninteressant und stumpf. In bestimmten Situationen kann sie jedoch mit einer starken Quelle einen spezifischen emotionalen Effekt erzeugen.
• Rückbeleuchtung, wird als geheimnisvoll und mystisch beschrieben.
• Seitenbeleuchtung, ist in der Regel sehr fesselnd und bedeutend, wirkt aber ziemlich abstrakt.
• Oberlicht, wird oft wie Rückbeleuchtung als mystisch und geheimnisvoll wahrgenommen und kann als stark dominierendes Element dienen. Es wird häufig verwendet, um die szenische Komposition auf den Boden zu "drücken".
• Frontaloberlicht, wenn es im Bereich von 45–60 Grad positioniert ist, kann durchaus fesselnd und klar erscheinen. Dies ist der optimale Winkel, wenn wir die beste Sichtbarkeit der Gesichtsausdrücke der Schauspieler gewährleisten wollen.

Angesichts dieser Aspekte ist vielleicht das Wichtigste zu verstehen, dass SCHATTEN nicht weniger bedeutend ist als LICHT, wenn das Ziel darin besteht, die Konturen oder die Form eines Objekts zu offenbaren. Das Wechselspiel und Gleichgewicht von Licht und Schatten bieten die Möglichkeit, ein Gefühl von emotional bedeutendem räumlichem Volumen und Perspektive zu erreichen.

Wenn ein Objekt beleuchtet wird, um das beabsichtigte Ziel zu erreichen, verwendet man immer mehrere Lichtquellen, die verschiedene Beleuchtungswinkel miteinander kombinieren. Indem man ein bestimmtes Verhältnis (Balance) der Helligkeit zwischen mehreren unterschiedlich gerichteten Quellen aufrechterhält, betont man diejenige, die für einen selbst entscheidend (primär) ist, und verringert die Helligkeit der anderen, die als Füllung dienen, in einem bestimmten Verhältnis. Es ist zu verstehen, dass die Effekte der primären Beleuchtungswinkel, wenn sie mit anderen kombiniert werden, sich von ihren Effekten unterscheiden, wenn sie allein verwendet werden.

Es gibt nichts Schlimmeres, als zu viele Quellen mit unterschiedlichen Beleuchtungswinkeln zu verwenden, um ein Objekt zu beleuchten — man wird Helligkeit erreichen, und das Objekt wird sehr sichtbar, aber es wird langweilig und uninteressant sein; man wird das Bild ruinieren. Dafür befolgen Sie die Regel: "Notwendig und ausreichend." Minimalismus in dieser Angelegenheit ist wesentlich — "zu viel ist nicht mehr effektiv."

Die Kombination von Beleuchtungswinkeln ermöglicht es uns, die Empfindungen verschiedener Beleuchtungsmethoden zu mischen.

Gegenlicht, wie wir bereits festgestellt haben, wird als "mysteriös und mystisch" beschrieben, und wenn es isoliert verwendet wird, hebt es die Form und die Konturen eines Objekts hervorragend hervor. In seinem isolierten Zustand kann es jedoch nur ein- oder zweimal in einer Aufführung verwendet werden. Wenn es mit anderen Lichtquellen kombiniert wird, kann es die Szene in einen völlig anderen Zustand versetzen. Zum Beispiel, in Kombination mit hochwertigem Seitenlicht und einer kleinen Menge Frontlicht, kann es das Objekt von der bestehenden Szene isolieren und in der Wahrnehmung des Zuschauers das Objekt näher zum Publikum bringen.

• Die Richtung, aus der das Objekt beleuchtet wird, bestimmt, wie der Betrachter es sieht und wie das Objekt erscheint.
  • Beleuchtung kann, abhängig vom Winkel, vom Betrachter als FLACH oder VOLUMETRISCH, REALISTISCH oder MYSTISCH oder SELTSAM, als WAHR oder FALSCH verstanden werden.*
• Die Art und Weise, wie der Betrachter die Qualität der Beleuchtung auf der Bühne bewertet, steht in direktem Zusammenhang mit dem, was er in der Natur und der umgebenden Welt beobachtet.
• Eine einzelne starke Lichtquelle kann aufgrund ihrer Einfachheit höchst effektiv sein.

Die Dominanz einer starken gerichteten Quelle in einem von vielen anderen Quellen geschaffenen Bild wird oft als "Hauptquelle" bezeichnet. Der Einsatz von "Hauptlicht" kann auch außerordentlich expressiv sein.

Bei der Analyse, wie eine Lichtquelle in der Lichtgestaltung "funktioniert", je nach Beleuchtungswinkel des Objekts, lauten die allgemeinen Schlussfolgerungen wie folgt:

• Licht offenbart und betont Form
• Gleichmäßige, gleich hell beleuchtete Beleuchtung, die Sichtbarkeit gewährleistet, ist in der Regel langweilig und uninteressant.
• Schatten betonen immer Licht.
• Eine große Anzahl von Quellen führt immer zu einem Verlust an Definition.
• Eine dominante "Hauptquelle" ist immer ausdrucksstark effektiv.

Helligkeit ist die Menge an Lichtenergie, die von der Bühne reflektiert wird. Der Beleuchtungsdesigner manipuliert die Intensität, indem er die Typen, die Leistung und die Anzahl der verwendeten Beleuchtungskörper auswählt und die Beleuchtung anpasst, indem er die Versorgungsspannung zu jedem Körper verändert. Die Helligkeit des Lichts ist eine Variable, die stark variieren kann, von schwachem Flimmern bis zur höchsten Grenze, die das Auge ertragen kann. Im Theater hängt die Helligkeit von der Anzahl und der Größe der Leuchten sowie vom Einsatz von Dimmerriegeln, Filtern, Verschlüssen, Gobos und ähnlichen Werkzeugen ab. Mehrere Faktoren müssen berücksichtigt werden, um die Kategorie der Helligkeit zu verstehen.

Beleuchtung kann mit verschiedenen wissenschaftlichen Methoden gemessen werden, die unter Theaterbedingungen von rein akademischem Interesse sein können. Der Lichtdesigner interessiert sich weit mehr für den subjektiven Eindruck, den die Helligkeit beim Publikum erzeugt: also nicht dafür, was das Licht ist, sondern was es zu sein scheint. Eine einzelne Kerze auf einer dunklen Bühne wird ziemlich hell erscheinen, während Kilowatt von Scheinwerfern in einem hell erleuchteten Umfeld eher als schwach wahrgenommen werden. Kontrast ist das Hauptmaß für Helligkeit. Die Farbe und Textur von Dekoration, Kostümen, Requisiten und dem Make-up auf den Gesichtern der Schauspieler beeinflussen die wahrgenommene Helligkeit erheblich. Das gleiche Helligkeitsniveau erzeugt unterschiedliche Effekte in schwarzen oder weißen Umgebungen.

Wenn sich die Helligkeit ändert, passt sich das Auge des Beobachters an. Das Auge hat eine wichtige biologische Fähigkeit, sich an unterschiedliche Betriebsbedingungen anzupassen. Dank dieser Eigenschaft funktioniert das visuelle System über einen weiten Bereich von Helligkeitsstufen: 10⁻⁶–10⁵ cd/m². Wenn sich der Helligkeitsgrad im Sichtfeld ändert, werden eine Reihe automatischer Mechanismen aktiviert, um die Sicht neu zu kalibrieren. Anpassung sollte als Prozess über die Zeit hinweg betrachtet werden, der den Übergang von einer Helligkeitsstufe zur anderen wahrnimmt. Eine helle Szene wird viel heller erscheinen, wenn sie auf eine dunkle folgt. Nachdem sich das Auge jedoch angepasst hat, wird es "dunkler". Daher kann es notwendig sein, die Helligkeit im Verlauf der Szene allmählich zu erhöhen, um diesen "Dimm"-Effekt auszugleichen, um das Gefühl der Helligkeit aufrechtzuerhalten. Umgekehrt, wenn die Szene, die einer dunklen vorangeht, allmählich abdunkelt, wird der Übergang des Betrachters zur "Dunkelheit" sanfter, was seine Wahrnehmung von Ereignissen in der dunklen Szene verbessert.

Die Physiologie des menschlichen Körpers ist ziemlich hartnäckig. Genau wie Muskeln durch intensive Anstrengung ermüden, ermüdet das visuelle Wahrnehmungssystem durch übermäßige Belastung. Infolge der Ermüdung sinken die Empfindlichkeitsschwellen für sowohl Farbe als auch Helligkeit, was die Effizienz des visuellen Systems verringert. Übermäßig intensives blendendes Licht, langanhaltend sehr geringe Beleuchtung oder zahlreiche abrupte Lichtwechsel können alle Betrachterermüdung verursachen

Viele psychologische Faktoren beeinflussen, wie Betrachter Helligkeit wahrnehmen, einschließlich des Anpassungsniveaus, des Helligkeitskontrasts, der Helligkeit des Lichts selbst, der Leuchtkraft und mehr. Durch die Manipulation der Helligkeit streben wir an, eine Beleuchtungsstärke bereitzustellen, die eine einfache Unterscheidung von Farbe, Reflexionsvermögen, Kontrast, der Größe eines Objekts und seiner Entfernung vom Betrachter ermöglicht. Beim Gestalten einer Szene schaffen wir durch das Anordnen der wahrgenommenen Helligkeitsverhältnisse verschiedener Bereiche der Bühnenfläche eine Hierarchie der Objekte in der Wahrnehmung des Betrachters. Wir steuern auch die Reihenfolge, in der der Betrachter unsere Komposition interpretiert (verarbeitet), wissend, dass der Betrachter immer zuerst das am stärksten beleuchtete Objekt wahrnimmt, dann das weniger beleuchtete und so weiter bis zum dunkelsten.

Bei der Bewältigung all dieser faszinierenden Herausforderungen ist es wichtig zu bedenken, dass wir vor allem das Publikum in den hinteren und vorderen Reihen des Theaters respektieren müssen. Je weiter der Betrachter entfernt ist, desto mehr Licht muss auf der Bühne vorhanden sein. Denken Sie immer daran und berücksichtigen Sie das "Abstandsgesetz im Quadrat". – Die Beleuchtung ist umgekehrt proportional zum Quadrat der Entfernung. Ein Betrachter, der doppelt so weit entfernt sitzt, sieht viermal weniger klar.

Die Spannung und Stimmung, die mit Helligkeit verbunden sind, werden dadurch bestimmt, wie wohl sich der Betrachter in der gegebenen Situation fühlt. Helles Licht verbessert die Sehschärfe und macht die Zuschauer reaktionsfreudiger. Die traditionelle Regel „helles Licht für Komödie“ veranschaulicht dies perfekt

Wir haben bereits kurz die Themen der Formoffenbarung von Objekten auf der Bühne angesprochen, als wir verschiedene Lichtwinkel diskutierten. Das Prinzip der Beleuchtung eines Objekts hängt direkt mit der vom Betrachter wahrgenommenen Form zusammen. Hier werden wir einen etwas anderen Aspekt der Form behandeln. Ein Künstler, der sich auf die Erstellung eines Gemäldes vorbereitet, spannt die Leinwand auf einen Rahmen. Die Größe und die Proportionen der Leinwand sind für ihn nicht weniger wichtig als der Inhalt des zukünftigen Gemäldes selbst. Die Form der Leinwand trägt bereits eine bestimmte Informations- und Gefühlsbotschaft. In ähnlicher Weise muss der Lichtdesigner in Bezug auf die Grenzen des architektonischen Raums entscheiden, welches Volumen des Raums in jedem bestimmten Moment der Aufführung genutzt werden soll. Selbst wenn der Bühnenbildner den Spielbereich starr definiert, kann der Lichtdesigner diesen immer vollständig oder nur einen bestimmten Teil davon beleuchten.

Es ist eine bekannte Regel, dass je mehr Licht auf einen einzelnen Schauspieler konzentriert ist, desto mehr fällt er auf, und desto mehr fokussiert der Betrachter auf die Feinheiten seiner psychologischen Darstellung. Je größer wir das Sichtfeld vergrößern, desto mehr kann man annehmen, weitet sich die Aufmerksamkeit der Zuschauer auf den Einfluss der Umgebung — sozial, symbolisch oder sogar kosmisch — aus. Ziehen wir Parallelen zur Malerei, so ist ein schmal beleuchteter Schauspieler wie ein Porträt. Große beleuchtete Bereiche ähneln einer Landschaft oder Genredarstellung. Drama beinhaltet typischerweise einen Konflikt zwischen dem Individuum und seiner Umgebung. Persönliche Konflikte sind in der Regel innerlich. Dasselbe Prinzip gilt für Licht: Je weiter der Raum, desto breiter ist das Spektrum der angesprochenen Themen. In einem bestimmten Stil der Aufführung kann die Größe des beleuchteten Raumes je nach der sich verändernden Natur der Konflikte im Laufe des Spiels variieren.

Farbe

In Zur Farbenlehre schrieb J.W. Goethe: "Farbe ist ein Produkt des Lichts, das Emotionen hervorruft." Wenn wir sagen: "vor Kummer schwarz werden; vor Wut rot werden, vor Neid grün werden, vor Angst grau werden," nehmen wir diese Ausdrücke nicht wörtlich, sondern assoziieren intuitiv die emotionalen Erlebnisse einer Person mit einem Mittel, sie durch Farbe auszudrücken. Jede Farbe innerhalb des sichtbaren Spektrums steht dem Lichtdesigner im Prinzip zur Verfügung. Farbe auf der Bühne entsteht durch das Mischen von farbigem Licht mit der Farbe eines Objekts. Objekte sind nur sichtbar, weil sie Licht zum Auge reflektieren. Subtile Töne von farbigem Licht können die Gesichter der Schauspieler betonen oder den allgemeinen Farbton einer Szene bestimmen. Natürliche oder stilisierte Farbe wird verwendet, um den gewünschten Farbton von Kostümen und Szenerien zu betonen, zu verändern oder zu erreichen. Grundsätzlich ist alles Licht bereits gefärbt. Selbst die mächtigste Lichtquelle — die Sonne — nehmen wir nur bedingt als "weiß" wahr, aber wenn sie aufgespalten wird, zeigt sich das vollständige Spektrum der Farben.

Die Wirkung von Farbe auf den Menschen ist seit langem beobachtet worden: Farbe beeinflusst alle ihre physiologischen Systeme, aktiviert oder unterdrückt ihre Funktionen; Farbe schafft spezifische Stimmungen und vermittelt bestimmte Gedanken und Gefühle. Die Wirkung von Farbe kann als physiologisch, psychologisch und ästhetisch kategorisiert werden; dazu müssen wir auch Farbassoziationen, Semantik und die Symbolik von Farbe hinzufügen.

Kräftige, gesättigte oder reiche dunkle Farben können sehr dramatisch sein; sie werden typischerweise verwendet, um dem Zuschauer eine Bedeutung zu vermitteln, die mit der assoziativen oder symbolischen Bedeutung der Farbe verbunden ist. Zum Beispiel könnte Rot als "Leidenschaft" oder "Blut" interpretiert werden, Blau als "friedlich" oder "romantisch," Grün als "Neid," und so weiter. In jedem Fall ist die Bedeutung von gesättigten Farben von großer Bedeutung.

Helle, pastellfarbene Farben sind nicht weniger wirkungsvoll, aber weniger aufdringlich. Farben in hellen Tönen werden häufiger verwendet, um beispielsweise den natürlichen Rahmen darzustellen, in dem sich die Bühnenhandlung entfaltet, wie zum Beispiel das Licht eines sonnigen Tals oder einer mondbeschienenen Nacht. Zusätzlich werden bestimmte Farben verwendet, um die Farbe und Textur der Gesichtshaut, Kostüme oder Szenerien zu verbessern. Solch leicht getöntes Licht wird allgemein als "kühle Beleuchtung" oder "warme Beleuchtung" kategorisiert.

Wenn man eine Objektbeleuchtung in der Natur beobachtet, wird ihr Volumen immer durch das Gleichgewicht von warmem und kühlem Licht offenbart. Wir sehen zum Beispiel eine Seite, die von warmem Sonnenlicht beleuchtet wird, während die andere Seite immer von kühlem Licht erhellt wird, das vom Himmel reflektiert wird. Dies schafft ein atemberaubendes Zusammenspiel von Licht und Schatten; in der Natur ist Schatten immer kühl. Es ist wichtig zu verstehen, dass, wie bei der Helligkeit, die Wärme oder Kühle einer Farbe immer relativ zur verwendeten angrenzenden Farbe ist. In verschiedenen Kombinationen kann die gleiche Farbe entweder warm oder kühl erscheinen. Typischerweise wird in einer gut gestalteten, ausgewogenen Szene ein "sauberer", ungefilterter Strahl leblos und hart erscheinen.

Indem Sie Farben auswählen und Ihre Palette aus "warmen" und "kühlen" Tönen zusammenstellen, gestalten Sie die Palette, mit der Ihre Szene – die Aufführung – gemalt wird. Übersehen Sie nicht die Prinzipien der Harmonie; die Kombination von Farben ist die Sprache, durch die wir mit dem Betrachter kommunizieren. Es ist notwendig, sich zu erinnern:

• Jedes Licht hat eine Farbe
• Farbe ist ein kraftvolles Werkzeug zur Schaffung von Atmosphäre und Stimmung
• Farbe wird verwendet, um den Ort der Handlung, die Tageszeit und die Jahreszeit anzuzeigen
• Helle Farben können auch Stimmung und Atmosphäre schaffen, tun dies jedoch sanfter
• Gesättigte Farbe kann leicht die Bühnenbild überfordern oder übersättigen und muss daher mit großer Sorgfalt eingesetzt werden
• Farben tragen symbolische und semantische Bedeutung und können als Signalgerät verwendet werden

Ein einzelner Strahl eines Scheinwerfers, der sich durch den Bühnenraum bewegt, ist an sich ein ausreichend kraftvolles Ausdrucksmittel. Ihr erinnert euch alle lebhaft an die berühmte Nummer des renommierten Clowns Oleg Popov, der mit einem Scheinwerferstrahl auf der Arena auftrat, als wäre er ein Partner. Der große Gordon Craig nutzte in seinem Hamlet die Bewegung eines Strahls, um das Erscheinen des Schattens von Hamlets Vater darzustellen. Wir sprechen hier nicht über die routinemäßige Aufgabe von Folgescheinwerfern, die Solisten und Primadonnen beleuchten. Sichtbare, sich bewegende Scheinwerferstrahlen können Bühnenbild, Perspektive, Volumen verändern und den Bühnenraum verwandeln. Ein sich bewegendes beleuchtetes Gebiet ist auch ein mächtiges emotionales und szenografisches Instrument.

Früher war dies immer eine recht komplexe technische Herausforderung für das Theater. Ohne dynamische, steuerbare Scheinwerfer konnte dies nur mit einer beträchtlichen Anzahl von Lichtquellen erreicht werden, die auf spezifische Weise ausgerichtet waren. Durch sanftes Anpassen der Intensitätsstufen, das Ausblenden einiger Quellen und das Einführen anderer war es möglich, eine Bewegung des beleuchteten Bereichs von den Fußlichtern in die Tiefe und so weiter zu erzeugen.

Mit dem Aufkommen von dynamischen automatisierten Scheinwerfern, die zunehmend von Showproduktionen ins Theater übergehen, ist es jetzt möglich, dynamisch ausdrucksstarke Lichtkonzepte relativ unkompliziert zu realisieren. Bewegung ist ein Faktor der Zeit, und die Geschwindigkeit der Bewegung und Änderungen in der Konfiguration des beleuchteten Raums werden in erster Linie von der Dynamik und dem Tempo der Bühnenaktion bestimmt. Gleichzeitig kann diese Bewegung auch die Dynamik derselben Aktion etablieren.

Ein Faktor, der direkt mit der Zeit verbunden ist und durch die rhythmische Struktur der Bühnenaktion bestimmt wird. Der Tempo-Rhythmus der wechselnden Lichtsignale gestaltet die Dynamik der Wahrnehmung der Bühnenaktion. Die rhythmische Struktur der wechselnden Lichtsignale wird direkt auf der Grundlage des Produktionskonzepts der Aufführung konstruiert, das im ursprünglichen dramatischen oder musikalischen Material (Partitur) verwurzelt ist.

Die dynamische Entwicklung der emotionalen Wahrnehmung der Struktur des Bühnenwerks betrifft nicht nur die Akte, sondern auch jeden einzelnen Moment der Aktion. Eine beliebte Technik in den 1960er und 1970er Jahren zur Steigerung des Dramas — die Aktivierung eines "Stroboskops" oder der sanfte, mehrminütige Übergang der "Morgendämmerung auf der Moskwa" in Mussorgskys Oper Khovanshchina — veranschaulicht die Bestimmung des Rhythmus der Bühnenaktion.

Die Häufigkeit und der Kontrast des Wechsels der Lichtszenen auf der Bühne etablieren, selbst inmitten der statischen Natur anderer Aufführungselemente, die Rhythmik der Wahrnehmung der Aufführung.

Theaterbeleuchtung ist "künstlerisch", vor allem weil sie die Schaffung eines einheitlichen, kohäsiven dynamischen Bildes innerhalb der Aufführung erfordert, das aus der Struktur des komplexen Phänomens der Aufführung heraus entsteht und zu dieser in enger Verbindung steht. Alle Ausdrucksmöglichkeiten des Lichtdesigns — bei der Gestaltung von Muster, Form und Perspektive — sind untergeordnet der Idee und dem Zweck der Aufführung. Kenntnisse der Kompositionsprinzipien sind für den Lichtdesigner ebenso essenziell wie für jeden anderen Künstler, dessen Arbeit auf visuelle Wahrnehmung ausgerichtet ist.

Unzweifelhaft hängt das Lichtdesign einer Aufführung direkt von vielen Elementen der Gesamtproduktionen ab, auf die der Lichtdesigner keinen Einfluss haben könnte. Der Regisseur, die Schauspieler und der Bühnenbildner, zusammen mit dem Kostümdesigner, können zusammenarbeiten und Elemente anpassen, um die kompositorischen Bedingungen zu unterstützen. Sogar ein Fotograf kann seinen Aufnahmewinkel verändern, um die Komposition zu perfektionieren. Der Lichtdesigner hingegen kann den Blickwinkel des Publikums nicht einmal ändern. Der Bühnenbildner und der Regisseur können sich auf eine kompositorisch vorteilhafte Position für einen Schauspieler einigen, aber wenn die Handlung erfordert, dass der Schauspieler an einen anderen Punkt auf der Bühne wechselt, wird die Komposition gestört.

Alle Elemente der visuellen Komposition sind miteinander verbunden und beeinflussen das Gesamtbild. Kein kompositorisches Element kann ohne Beleuchtung "funktionieren", und nur Licht kann alle Elemente in finale Harmonie bringen. Das Theater ist überwiegend auf visuelle Wahrnehmung ausgerichtet, und der Lichtdesigner ist der letzte Schiedsrichter, was und wie der Zuschauer sieht. Das einzige Werkzeug, das dem Lichtdesigner zur Verfügung steht, ist das Licht. Die Komposition kann nur durch die Verstärkung der Beleuchtung bestimmter sichtbarer Teile oder das Versinken anderer in Dunkelheit, durch die Erweiterung oder Verengung des Sichtfelds, gelenkt werden. Dies ist eine bedeutende Verantwortung, die die Möglichkeit bietet, die Wahrnehmung zu verstärken oder umgekehrt die Wahrnehmung einer von anderen geschaffenen Komposition zu beeinträchtigen.

Mit diesem Verständnis muss der Lichtdesigner bei der Arbeit an der Komposition des Lichtdesigns berücksichtigen, dass Mitglieder des Publikums die Bühne aus verschiedenen Positionen betrachten, und eine perfekt ausgewogene Komposition für einen Zuschauer in der siebten Reihe möglicherweise nicht ebenso eindrucksvoll oder makellos für einen Zuschauer "auf der Galerie" ist.

Formal könnte diese Kategorie keinen eigenen Abschnitt gerechtfertigt haben. Wir wissen, dass die am meisten hervorgehobenen, hellen Zonen und Objekte für den Betrachter am ansprechendsten sind. Dies ist, was der Betrachter zuerst anschaut. In der Regel bilden sie das Zentrum der Komposition. Für Staffelei-Malerei ist dies unbestreitbar. Im Theater jedoch, aufgrund der Dynamik der Ereignisse — bei der sich die gesamte Komposition mit der geringsten Bewegung eines Schauspielers verschieben kann — und der relativ breiten Palette von Zuschauerpositionen, bedeutet dies, dass die konstruierte Komposition von einem Betrachter in der 8. Reihe anders interpretiert wird als von einem auf dem Balkon. Es ist notwendig, mit den Eigenschaften von Licht und Farbe vorauszusehen und zu planen, wie der Betrachter die Bühnenhandlung beobachten (visuell interpretieren) wird.

Licht ist eines der grundlegenden Elemente fast aller "visuellen" Kompositionen. Und natürlich ist unter allen visuellen Formen Licht das immateriellste Werkzeug. In jeder Bühnenaufführung ist Licht ein abstrakteres Element als jedes volumetrische Objekt, das auf der Bühne platziert wird, welches dazu neigt, ein signifikant größeres visuelles Interesse zu wecken.

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